Пабло Пикассо (исп. Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мaртир Патрисио Руис и Пикассо)

(25 октября 1881, Малага, Испания — 8 апреля 1973, Мужен, Франция)

Биография

1. Детство и годы обучения (1881-1900)

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.

Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.

Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо. Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери" (1896). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: "В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они".

Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими. Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.

2. "Голубой" период (1901-1904)

К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).

3. "Розовый" период (1904 - 1906)

"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники... Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.

Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины - "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие.

4. "Африканский" период (1907 - 1909)

В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета .

В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

5. Кубизм (1909 - 1917)

В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).

Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников - Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок... Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.

Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.

6. Неоклассицизм (1918 - 1925)

Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы - Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.

В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Самая выразительная картина этих лет - "Портрет Ольги в кресле" (1917). Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: "Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано". Другие картины "реалистического" периода: "Купальщицы" (1918), "Женщины, бегущие по пляжу" (1922), "Детский портрет Поля Пикассо" (1923).

7. Сюрреализм (1925 - 1936)

"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.

В 1925 году Пикассо написал картину "Танец". Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.

Работы этого периода: "Купальщица, открывающая кабинку" (1928), "Фигуры на пляже" (1931), "Женщина с цветком" (1932) и др.

В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например "Зеркало" (1932, частное собрание), "Девушка перед зеркалом", (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура "Женщина с вазой" (теперь эта скульптура стоит на могиле художника)). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с обеими женщинами, хотя официально не был разведен с Ольгой Хохловой вплоть до ее смерти в 1955 году.

В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.

8. Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945)

Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем ("Минотавромахия", 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть.

Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" (1937). Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.

Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали?". "Нет" - ответил художник - "это сделали вы".

В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" (1937) (в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко) и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" (1939), "Плачущая женщина" (1937) (последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой").

В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" (1942), "Утренняя серенада" (1942, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), "Бойня" (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру "Человек с агнцем" (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции.

9. Послевоенный период (1945 - 1960e)

Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе - курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется "Радость бытия" и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием - изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ…

В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени - например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).

В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это "Храмом мира". В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Он создает своих излюбленных персонажей - кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые "керамические мастерские", которые продолжают держать марку "Пикассо" и тиражировать изделия, придуманные художником. В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию "Падение Икара". В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах.

В 1950-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).

10. Последние годы (конец 60-х - 1973)

В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника - уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.

Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.

Биография

Образование. Барселона.

Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; однако семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо - это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891, и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше ("Мужчина в фуражке", 1895). Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво, искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом, и в гораздо меньшей степени - импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо ("Танцовщица", 1901, Барселона, музей Пикассо). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота", заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1905).

Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

В 1900 Пикассо впервые побывал в Париже, где он сдружился с Исидро Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него гораздо меньшее влияние, чем этого хотят некоторые испанские исследователи. Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902, и окончательно в 1904. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени ("Любительница абсента", 1901, СанктПетербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Талантливый молодой живописец в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена ("Жизнь", 1903, Кливленд, музей), Каррьера ("Мать и дитя", 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов ("Облокотившийся Арлекин", 1901, частное собрание), а также греческого искусства ("Водопой", сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций ("Старый гитарист", 1903, Чикаго, Художественный институт; "Портреты госпожи Каналье", 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений "голубого" периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди ("Гладильщица", 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Скудная трапеза", офорт, 1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре", Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).

Накануне кубизма.

Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах ("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик, ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму", чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над "Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами", 1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Кубизм.

В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет, спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

После войны.

Возращение к предметной живописи. В 1917 Жан Кокто уговаривает Пикассо поехать с ним в Рим для исполнения декораций к балету "Парад" на музыку Эрика Сати для Сергея Дягилева. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для "Треуголки", 1919) воскрешает в нем интерес к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ ("Арлекин", 1913, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). "Пассеистический по замыслу", как говорил Лев Бакст, занавес для "Парада" отмечает возникший еще в 1915 ("Портрет Воллара", рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, часто "энгристскому", к монументальности форм, навеянной античным искусством ("Три женщины у источника", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Это выражается то с оттенком народной грубоватости ("Флейта Пана", 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде ("Две женщины на пляже", 1922, там же). Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, успех художника в обществе - все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты ("Мандолина и гитара", 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные "помпейским" стилем ("Женщина в белом", 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены ("Портрет Ольги", пастель, 1923, частное собрание) и сына ("Поль в костюме Пьеро", Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. В этих работах впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам, и в частности Стравинскому, в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным "архивом", и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык.

Контакты с сюрреализмом.

В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х ("Танец", Лондон, гал. Тейт) мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир гал^ люцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, влиянием несомненным и сознательным, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих ("Женщина в кресле", 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931, Париж, музей Пикассо). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период ("Девушка перед зеркалом", 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой, или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность ("Зеркало", 1932, частное собрание). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 в замке Буажелу, который он приобрел в 1930. В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

Минотавр и "Герника".

Тема быков возникает в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 ("Минотавромахия"). Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему "Герники", самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо; до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность ("Рыбная ловля ночью на Антибах", 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов ("Майя и ее кукла", 1938, Париж, музей Пикассо). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них - Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами ("Плачущая женщина", 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы ("Утренняя серенада", 1942, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры ("Человек с агнцем"), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи ("Натюрморт с бычьим черепом", 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия).

После освобождения.

Картина "Бойня" (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) - последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях, чего, вероятно, ждали от него его политические товарищи ("Резня в Корее", 1951, Париж, музей Пикассо). Голубь, изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, вероятно, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. Кроме того, эта работа способствовала тому, что он стал легендарной, всемирно известной личностью.

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо ("Радость жизни"). Но особенно сильны в этот период отказ от декоративного пыла и поиски новых выразительных средств. Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. 200 больших листов, ноябрь 1945 - апрель 1949), плакатах, ксилографиях и линогравюрах, керамике и скульптуре. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике "Мадура" в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству ("Мастерская в Каннах", 1956, Париж, музей Пикассо). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения ("Портрет художника, в подражание Эль Греко", 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Базель, Художественный музей); "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955); "Менины. По Веласкесу" (1957); "Завтрак на траве. По Мане" (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходной картине ("Менины", 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо).

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Биография (Наталья Клевалина. Московский комсомолец http://www.mk.ru/)

Ключ от спальни

Акушерка со страхом смотрела, как молодая донья Мария, только что родившая сына, постепенно приходит в себя. Вот сейчас она откроет глаза и попросит принести ребенка. Вошел дядя новорожденного, доктор Сальвадор. Он хотел поскорее забрать тело мальчика, чтобы мать не увидела его. Доктор курил толстую сигару и выдохнул дым прямо в неживое лицо. Младенец скривился и заорал. Так мир впервые услышал голос великого художника и великого сластолюбца Пабло Пикассо.

Произошло это в октябре 1881 года в Малаге, в семье преподавателя Хосе Руиса Бласко. Он был художником-любителем, его картины украшали почти все дома в Малаге. Дон Хосе считал, что в нем погиб незаурядный талант, и часто предавался меланхолии. А после того как семилетняя дочь Кончита умерла от дифтерии, и вовсе впал в уныние.

Всем в доме заправляла мать, истинная испанка, выносливая и неунывающая. Маленький Пабло был ее копией. Он терпеть не мог школу. Аттестат мальчик получил лишь благодаря любезности директора колледжа, который был другом дона Хосе. Родители не слишком переживали, что их сын читает и пишет с трудом. Зато как он рисует! Печаль дона Хосе немного развеивалась, когда он давал сыну уроки живописи.

Из Малаги семья переехала в Барселону, где впервые в жизни Пабло выставил на продажу свои картины в скобяной лавке. Он подписывал их фамилией матери – Пикассо, ему так больше нравилось. Покупатели интересовались полотнами, но все испортил болван торговец, сообщив им, что художнику всего четырнадцать лет.

В 1897 году семейство вернулось на лето в Малагу. В модной шляпе, помахивая тростью, Пабло целыми днями фланировал по улицам беспечной походкой щеголя. Его сопровождала первая городская красавица – его кузина Кармен. Родители уже предвкушали свадьбу, но не тут-то было. Осесть в Малаге? Зарыть свой дар в землю? До старости малевать кроликов и пташек для гостиных, как отец? Это не для него.

Однажды на улице Пабло попросил гадалку погадать ему по руке. Та долго разглядывала линии на его ладони и сказала, что юношу ждет самая обычная судьба. Ну нет! Гадалка ошиблась. Всем свойственно ошибаться. Он станет гением. Но для начала он покинет скучную Малагу и Барселону тоже.

Бедность и порок

Скоро у дона Хосе появился повод для гордости – Пабло без труда поступил в Мадридскую королевскую академию Сан-Фернандо. И так же легко бросил учебу. Отцу он объявил, что в академии все пропахло консерватизмом и учиться там нечему. Дядя Сальвадор, до сих пор щедро снабжавший студента деньгами, перестал их высылать. Пабло жил в Мадриде почти впроголодь, но это не мешало молодому художнику с друзьями куролесить по «девочкам». «Я не стал дожидаться разумного возраста, чтобы начать, – вспоминал Пикассо, – если его дожидаться, именно разум может потом помешать». Прогулки по борделям закончились печально – гуляка подхватил нехорошую болезнь. Впрочем, это не отбило у него вкуса к удовольствиям.

В Барселоне он часто бывал в больнице Сента-Креу, где лечили проституток. Здесь работал гинекологом его приятель. Облачив Пабло в белый халат, он позволял ему присутствовать на осмотрах. Пациентки принимали Пикассо за ассистента. А тот отправлялся в расположенное рядом с больницей кафе, доставал блокнот и торопливо набрасывал карандашом то, что больше всего запомнилось, – изможденные лица, скованные болью позы, изъязвленную плоть… А вечером – снова к «девочкам».

Пикассо мечтал о Монмартре – рае нищих художников, единственном месте на земле, где царит абсолютная свобода. Дон Хосе пробовал отговорить сына. Разве нельзя писать здесь, в Испании? Все напрасно. В октябре 1900 года он проводил Пабло на вокзал. Триста франков – вот все, что удалось собрать в дорогу. Перед отъездом девятнадцатилетний художник написал автопортрет. На самом верху картины он вывел черной краской: «Я – король!» Он был уверен, что завоюет Париж своей кистью. А гадалка ошиблась. Теперь он видел это ясно.

Пабло поселился на площади Равиньян в деревянном доме со странным названием «Бато-Лавуар» – «Плавучая прачечная». В этом обветшавшем сарае без света и тепла ютились непризнанные гении – бедные художники и их подруги. «Я очень люблю ключи, – говорил Пикассо на старости лет, – очень важно их иметь». В «Бато-Лавуар» у него не было ни одного ключа. Двери никто не запирал, потому что красть было нечего. А Пикассо хотелось иметь ключи, много ключей, которыми можно закрывать и открывать двери – в собственном доме или даже в домах. На его картинах часто появлялись запертые двери, которые люди безуспешно пытаются отворить.

Как-то ночью сосед Пабло, немецкий художник, покончил с собой, не выдержав наркотической ломки. Перепуганный Пикассо, который недавно пристрастился к курению опиума, тотчас выбросил свою трубку. Он носил костюм механика – синюю спецовку и красную рубашку в белый горошек. Довершали наряд испанские сандалии с веревочными подошвами – жильцы «Бато-Лавуар» стремились одеться почуднее. Единственный на весь дом кран находился в подвале здания – сюда все ходили за водой. У этого крана однажды утром Пикассо встретил девушку с густой каштановой челкой, из-под которой живо смотрели зеленые глаза. Обитатели дома звали ее Великолепной Фернандой. Увидев ее, он забыл, зачем пришел в подвал, и вернулся к себе с пустым кувшином. В другой раз, встретив ее в коридоре, он преградил ей дорогу и предложил зайти к нему в студию. Она зашла и осталась. В тот день он подарил ей маленькое зеркальце в форме сердца.

Заполучив такое сокровище, ревнивый Пикассо обзавелся надежным замком и, уходя, всякий раз запирал любовницу снаружи. Фернанда не возражала. Трудно было найти человека ленивее, чем она. Муза Пикассо могла неделями не выходить на улицу, лежать на диване и глотать бульварные романы. Прошлое Фернанды было темным – говорили, что она сбежала из дома в шестнадцать лет с каким-то скульптором, который потом сошел с ума. И тогда юная беглянка поселилась в «Бато-Лавуар», где зарабатывала на жизнь, позируя художникам. Когда любовникам нечем было заплатить за уголь, они неделями не вылезали из-под груды одеял. Иногда угольщик, которому Фернанда строила глазки, отсыпал им угля даром. Часто по утрам они воровали молоко и круассаны, которые разносчики оставляли у дверей добрых буржуа. Когда есть и вовсе было нечего, кот Фернанды приносил им украденную где-то кровяную колбасу.

Время шло, торговцы картинами стали приобретать полотна Пикассо – их не смущала даже его манера торговаться, держа в руке заряженный револьвер. Он уже мог покупать Фернанде духи по два луидора за флакон и замысловатые шляпки, которые та обожала. Скоро у него появился и ключ – его первый собственный ключ, и они с Фернандой переехали в уютную квартирку на бульваре Клиши. Пикассо с удовольствием принялся обставлять ее – ходил на блошиный рынок, в антикварные лавки. Вместе с Пабло в новую квартиру перебрались три сиамских кота, любимая собака, ручная обезьянка и семейство белых мышей. Только вот Фернанда, много лет разделявшая с Пикассо голод и нужду, оказалась недостаточно хороша для него, когда пришел наконец достаток. Она недолго наслаждалась жизнью в новом доме, где был настоящий рояль, зеркала, служанка и кухарка.

Куколка, дворянка и валькирия

Как-то раз Гертруда Стайн, приятельница художника, застала его за работой – тот писал портрет миниатюрной изящной женщины. Внизу стояла надпись «Моя красавица». Гертруда долго смотрела на картину, после чего заявила высокой и дебелой Фернанде: «Ты не можешь быть «моей красавицей». Тогда кто же это?» Вскоре Пикассо и Фернанда расстались – легко, без слез и обид. Разлучницей оказалась Ева Гуэль по прозвищу Куколка, подруга одного польского художника. Пабло прожил вместе с ней всего три года. В первую военную зиму Куколки не стало – ее свела в могилу чахотка. После похорон Евы Пикассо некоторое время жил очень уединенно. А весной 1917 года его друг, поэт Жан Кокто, давно сотрудничавший с «Русским балетом» Дягилева, предложил развеяться – создать декорации и костюмы к новому спектаклю прославленной труппы. Балетом Пикассо до того дня не интересовался, но… почему бы и нет? Все равно это лучше, чем предаваться грустным воспоминаниям о Еве. Вдвоем c Кокто они отправились в Рим – там гастролировали эти удивительные русские.

В Риме Пикассо словно ожил. Он писал Гертруде Стайн, что проводит дни, рисуя декорации, а ночами гуляет при луне с танцовщицами. Из Рима он последовал за труппой во Флоренцию, потом в Неаполь. Госпожа Стайн удивлялась: работа давно закончена, зачем художник ездит за «Русским балетом» как привязанный? Все объяснялось просто – Пикассо ездил за балериной. Юная Ольга Хохлова танцевала в кордебалете и утверждала, что она дворянка, дочь генерала. Ее подруги говорили, что насчет отца-генерала она врет. «Но поглядела бы ты на ее гордую осанку, на неприступность поистине аристократическую», – писал Гертруде очарованный Пабло. Он пригласил девушку в свою мастерскую. Она пришла, и оба тотчас почувствовали взаимное притяжение… Выходя от него, Ольга оступилась, упала и подвернула ногу. «Раз по моей вине вы не можете танцевать, я обязан на вас жениться», – сказал Пикассо. Что это – шутка?

Летом 1918 года они обвенчались в русской церкви на улице Дарю. Будучи атеистом, художник пошел на эту жертву ради невесты. Он был в восторге от Ольги. «Я женился на порядочной девушке из хорошей семьи», – писал он Гертруде Стайн. Позже Пабло гордо рассказал ей, что оказался первым мужчиной Ольги. Она берегла себя для него, даже не зная о его существовании! Вращаясь в артистической среде, так трудно сохранить целомудрие, но Ольга сумела…

После свадьбы Хохлова оставила балет. Она начала учить испанский, чтобы разговаривать с мужем на его родном языке. Семья обосновалась в двухэтажной квартире на улице Боэси. Один этаж Пикассо отвел под свою студию, другой был отдан жене. Она превратила его в классический светский салон с уютными канапе, портьерами и зеркалами. Пабло купил машину, нанял шофера, обзавелся дорогими костюмами. Но почему-то завидовал тому, другому Пикассо, который носил когда-то костюм механика и ютился с Фернандой в продуваемом ветрами «Бато-Лавуаре». Ольге были неинтересны друзья мужа, его раздражали ее гости – великосветские бездельники. Скоро Пикассо понял, что они с женой живут не только на разных этажах, но и в разных мирах. Ольге хотелось одного – тихого семейного уюта. Но то, что она называла уютом, он считал рутиной, губящей творчество. Пикассо долго подбирал ключи к Ольге, а она оказалась незапертой дверью. Их умирающие отношения несколько оживило рождение сына Паоло. Художник обожал мальчика, каждый месяц писал его портрет.

Зимой 1927 года на полотнах Пикассо стала появляться некая светловолосая женщина. Конечно, кубистская манера не позволяла «опознать» кого-то конкретно, но Ольга понимала: у Пабло появилась другая. Сама-то она была брюнеткой… Новую музу звали Мария-Тереза Вальтер. Он называл ее валькирией – за светлые волосы, голубые глаза и идеальную фигуру. Они познакомились прямо на улице. «Я хочу писать ваш портрет, я – Пикассо», – сказал он. Его имя не произвело на семнадцатилетнюю девушку никакого впечатления – она ни разу не слышала о нем. Пикассо был очарован. Он взял ее за руку и произнес весьма двусмысленную фразу: «Уверен, вдвоем мы с вами сделаем столько замечательного». Недаром Жан Кокто любил повторять, что Пабло охотно обменял бы свою славу художника на славу Дон Жуана.

На лето Пикассо с семейством перебирался на юг Франции, а для своей валькирии он снимал квартиру неподалеку. Любовники потеряли всякую осторожность. И тогда оскорбленная Ольга ушла от мужа. Пикассо попросил у нее развод, но она отказалась, утверждая, что все еще любит его. Отказ следовал за отказом, и Пикассо временами впадал в ярость. Однажды друзья устроили им встречу в ресторане, надеясь, что супруги помирятся. Но все повторилось – Пикассо бушевал, стуча кулаками по столу, а Ольга как заведенная повторяла, что любит его. В бешенстве художник воскликнул: «Ты любишь меня, как любят кусок курицы, стараясь обглодать его до кости!»

Беспощадная амнезия

Адвокаты Ольги добились ареста нескольких картин Пикассо в качестве залога на ту сумму, которую он должен ей выплатить. С того дня художник возненавидел Ольгу. Половину их огромной двуспальной кровати он застелил старыми газетами. Этот символический жест не помог – Ольга упорно не желала исчезать из его жизни. Даже после развода она преследовала его. Она могла часами идти за ним и его очередной пассией по улице, крича: «Мне надо сообщить тебе что-то очень важное. Ты напрасно делаешь вид, что я не существую, когда я вот она, тут». Однако Пикассо не делал вид. Он и впрямь забыл о ее существовании. «Его способность забывать еще более поразительна, чем его память», – говорили о Пабло друзья.

Мария-Тереза стала его «женщиной по четвергам» – Пикассо приходил к ней лишь один раз в неделю. Осенью 1935-го она подарила ему дочь Майю. Девочку записали как дочь неизвестного отца. Пикассо обещал, что, как только разведется с Ольгой, сразу признает ребенка. Но после развода дочка так и не получила его фамилию. Впрочем, художник согласился… стать ее крестным. Мария-Тереза в отличие от Ольги никогда ничего не требовала от него. Может, поэтому он называл ее лучшей из женщин? И все же спустя некоторое время Пикассо перестал являться к ней по четвергам.

Он все чаще рисовал некую девушку, обладательницу изящных рук с длинными пальцами и ногтями, крашенными ярко-красным лаком. Ее звали Дора Маар. Они познакомились в кафе «Две кубышки» вскоре после рождения Майи. Художник залюбовался ее руками. Дора развлекалась тем, что, положив ладонь на стол, быстро вонзала нож между растопыренными пальцами. Несколько раз она задевала кожу, но, казалось, не замечала крови и не чувствовала боли. Затем она натянула на руки перчатки… Пикассо хранил их у себя до самой смерти.

Дора оказалась профессиональным фотографом. Умная, передовых взглядов девушка имела только один недостаток – была до крайности нервна. Чуть что – разражалась слезами. «Я никогда не мог написать ее улыбающейся, – вспоминал мэтр, – для меня она всегда была плачущей женщиной». Он считал, что слезы делают лицо Доры более выразительным. Когда у нее умерла мать и она пришла к художнику за поддержкой, он тотчас заставил ее позировать.

В годы оккупации Парижа во время Второй мировой Пикассо не переставал писать. На послевоенном Осеннем салоне он выставил небывалое количество холстов. В том числе картину «Интерьер» с обнаженной женской фигурой. Это была двадцатилетняя Франсуаза Жило, новая муза и натурщица.

Любовница ветра

После войны Пикассо подарил Доре домик на юге Франции. Она не догадалась, что подарок этот – прощальный. Однако пожить в новом доме Доре так и не пришлось – после расставания с возлюбленным она на долгие годы стала пациенткой лечебницы для душевнобольных. С Франсуазой, которая годилась ему во внучки, художник познакомился еще во время немецкой оккупации в 1943 году в ресторане «Каталонец». Пикассо присел к ней за столик с большой вазой, полной черешни, и предложил угощаться. Завязался разговор. Выяснилось, что девушка бросила обучение в Сорбонне ради занятий живописью. За это отец выгнал ее из дома, но Франсуаза не унывала. Она стала зарабатывать на жизнь, давая уроки верховой езды. «Такая красивая женщина никак не может быть художницей!» – воскликнул мэтр и пригласил ее к себе… принять ванну. В оккупированном Париже горячая вода была роскошью, и Пикассо являлся одним из немногих счастливых ее обладателей. «Приходите, только если я вам нравлюсь, – добавил он. – Если вам хочется посмотреть мои картины, то лучше загляните в музей». Опытный ловелас попал в точку – девушка была в восторге именно от его творчества. Она не пришла. Когда они встретились во второй раз, он предложил Франсуазе взять у него несколько уроков гравирования. В назначенный час ученица явилась к мэтру с высокой прической и в вечернем платье. «Ты так оделась, чтобы учиться гравированию?» – удивился Пикассо. «Разумеется, нет, – ответила Франсуаза, – но поскольку я совершенно уверена, что вы не собираетесь учить меня этому искусству, то оделась наиболее подобающим образом». – «Неужели ты не могла хотя бы притвориться, что поверила в обман, как обычно поступают женщины? – Пикассо все еще не мог прийти в себя от изумления. – А то я решу, что могу делать все, что захочу». Девушка улыбнулась и предложила ему действовать. Художник возмутился: «Отвратительно! Как можно соблазнить кого-нибудь при таких условиях?»

Вскоре Пикассо увез ее на лето в Воклюз, где они поссорились. Франсуаза пешком ушла из дома, надеясь автостопом добраться до Марселя. По пути ее нагнал Пикассо. «Я знаю, что тебе нужно, – сказал он, – тебе нужен ребенок». Он преклонялся перед материнством. Когда художника, чьи картины были просто напичканы эротикой, спросили, какая женская грудь самая красивая, он ответил: «Та, что дает больше молока».

Франсуаза родила Пикассо сына Клода и дочь Палому. Казалось, он наконец обрел счастье. Чего нельзя было сказать про его подругу. Ее не покидало ощущение, что она предала свое призвание. Франсуаза пробовала заниматься живописью, но не слишком удачно. В 1953 году она ушла от художника, забрав с собой детей и заявив, что не желает провести остаток жизни с историческим памятником. Пикассо не предпринял ни одной попытки вернуть ее, пробормотав лишь: «Вот дерьмо».

Сломанные цветы

Пикассо всегда боялся быть один. В 1954 году он написал портрет женщины в полосатом платье, сидящей на корточках. Новую фаворитку звали Жаклин Рок. Пикассо она напоминала алжирку с картины Делакруа «Алжирские женщины». Мастер женился на своей «звезде сераля» и поселился с ней на вилле «Ла Калифорни» близ Канн. Для Жаклин он был божеством, она называла его «монсеньор» – как епископа. Она годами терпела его капризы, депрессии, мнительность, следила за его диетой. Постепенно Жаклин настолько подчинила себе художника, что почти все решала за него. Сначала она отстранила от него всех его друзей, потом взялась и за родных – Паоло, Майю, Клода и Палому. Ей удалось внушить мужу, что его дети только и ждут его смерти, чтобы получить наследство. Последние годы гения были наполнены злобой и распрями.

Его не стало весной 1973 года. Пикассо обрел покой в городке Вовнарг, в маленькой часовне у подножия горы Сент-Виктуар. Жаклин запретила его детям появляться на похоронах. Она заперлась на вилле, где они вместе прожили столько лет. Страдая от жестокой депрессии, несколько лет она балансировала на грани сумасшествия.

Ольга Хохлова умерла в 1953 году. За год до смерти она случайно встретилась с Пикассо ранним утром на пляже в Ницце. Он не заметил ее, а она проводила его взглядом и не бросилась вслед.

Мария-Тереза покончила с собой спустя четыре года после смерти художника. Паоло спился. Дора Маар так и не вынырнула из омута безумия. Фернанда, Великолепная Фернанда закончила свои дни в бедности. После похорон в ее квартирке обнаружили шкатулку для драгоценностей, в которой ей уже давно было нечего хранить. В ней лежало лишь зеркальце в форме сердца.

Биография (реферат)

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в старой, состоятельной буржуазной семье (отец его был профессором, преподавателем художественной школы и некоторое время хранителем музея). Мать очень любила его и называла Ангелом. Отец ничего ему не запрещал. Даже самые дальние родственники очень рано стали видеть в нем маленького гения.

Хотя сам он произошел из буржуазной среды, и буржуазными были его привычки образ мыслей, живопись его не была буржуазной.

В 1896 году отец Пикассо снял для своего сына Пабла Пикассо Руиса мастерскую на Калле де ла Плата, где он мог теперь работать без принуждения и присмотра и делать все, что ему нравилось. На следующий год родители отправили его в Мадрид.

Художником, во многом определившим характер западно-европейского и американского искусства ХХ века стал Пабло Пикассо- испанец, основную часть жизни проживший во Франции.

Уже в 1900 году Пикассо заявил о себе как зрелый мастер, близко принимавший к сердцу судьбы простых людей. Герои его картин «голубого» и «розового» периодов – простые женщины, акробаты, странствующие актеры цирка, нищие. Даже произведения, посвященные теме материнства, проникнуты не счастьем и радостью, а тревогой и заботой матери о судьбе ребенка.

«Голубой период»

Начало «голубого» периода , продолжавшегося немногим более трех лет, принято относить приблизительно к середине 1901года, окончание – к концу 1904 года. Многое из того, что составляет содержание «голубого» периода, восходит еще к пребыванию художника в Мадриде. Так, уже тогда на палитре начали появляться холодные оттенки, среди которых выделялись не только зеленые, но и голубые. Например «Женщина в голубом», 1901

В то время Пикассо в основном писал и рисовал дам света в огромных шляпах и тяжелых платьях. Они совсем не похожи на те бескровные лица, которые впоследствии, благодаря бесчисленным репродукциям станут очень популярны.

В 1900 году Пикассо знакомится с графикой Теофиля Стейнлена.Его заинтересовывает цветовая агрессивность северных художников, но именно в это время он значительно огранчил свой собственный цветовой материал. Все у него происходило быстро, иногда даже одновременно. Живописные работы, пастели или рисунки постоянно изменялись в стиле, в выражении. Тема и характер работ, которые разделяют несколько недель, а иногда и дней, могут быть в корне различными. Пикассо обладал великолепной зрительной памятью и восприимчивостью. Он скорее мастер оттенка, чем цвета. Живопись для художника покоится прежде всего на графическом основании.

В Мадриде с февраль 1901 года Пикассо впервые принялся серьезно изучать новое искусство, которое тогда начинало свое победное шествие почти по всей Европе. Несколько месяцев, проведенные в Мадриде, оказались решающими для будущего развития его жизни. Этот момент отмечен даже чисто внешней переменой: раньше свои рисунки он подписывал П. Руис Пикассо , теперь же на его работах можно увидеть лишь имя его матери.

В этот период Пикассо плодотворно работает. Организуются его выставки в Барселоне. 24 июня 1901 года организуется первая выставка в Париже, где он теперь жил. Здесь набирает силу новый стиль, прервавший тенденцию к ограничению цвета холодными тонами .Париж толкал Пикассо к сильному оживлению палитры. Все чаще появлялись картины с букетами цветов и обнаженными натурщицами. Если в Мадриде художник в основном работал в голубом цвете, то сейчас рядом с голубым и зеленым цветом ложились чистые, часто контрастные краски. Новый стиль пробивался на поверхность. Широкие цветовые поверхности художник иногда обводил голубым, фиолетовым л зеленым. Эта манера носила название «периода оконных стекол».

В начале 1903 года Пикассо возвращается в Барселону и принимается за пейзажи, почт все они выдержаны в голубом цвете. Пейзажная живопись всегда была у художника в некотором пренебрежении. Пикассо недостаточно романтическая натура, чтобы видеть в природе источник неиссякаемого вдохновения. По настоящему его интересует только человек и то, что человека непосредственно окружает или касается.

Эмоциональная основа теперь уже не уныние и отчаяние, а скорее что-то похожее на равнодушие, часто готовое обернуться подлинной радостью жизни.

Голубой цвет смягчается теперь соседством с охрами и нежно-лиловыми красками, обьединенными общим розовым тоном. Голубой период вступил в новую, переходную фазу, время странствующих людей театра и цирка.

«Розовый период»

Переход от голубого периода к розовому, начавщийся в конце 1904 года, совершался незаметно, от работы к работе. Образы, вдохновленные цирком ,подготавливали собственно розовый период, время расцвета и удачи. Для легкого выявления обьема теперь появлась щтриховка кистью и со временем стала применяться все чаще.

Теперь теплые тона по-прежнему появлялись то в одной, то в другой работе, но так называемый «розовый» период все-таки закончился. Пикассо, никогда не способный удовлетворить требованиям, предьявляемые самому себе, целиком сосредоточился на освоении совершенно новых выразительных возможностей. Живопись всегда оставалась для него вновь открывающимся приключением, которое требовало всего человека и всех его сил.

Искусство Пикассо несет на себе печать его личности, оно является «феноменом предназначения» /Кант/.

В послевоенные годы широта поисков Пикассо не уменьшается. Как и раньше, он живописец, график, скульптор, увлекается керамикой. Широко известны его плакаты и рисунки с изображением голубя мира. Он по-прежнему выступает против человеконенавистнического варварства, создавая такие произведения, как «Мир» , «Война».

В творчестве Пикассо противоречиво сочетаются передовые общественные стремления, отражающие кризис современной буржуазной культуры.

Пикассо прошел сложный путь, но в ответственные моменты истории он всегда выступал как борец за прогрессивные идеалы. Он был не только художником, но и общественным деятелем.

Сальвадор Дали

Сальвадор Хасинто Фелипе Дали Даменеч Куси Фаррес , или просто Сальвадор Дали, родился 11 мая 1904 года в городке Фигерас в Каталонии .в семье адвоката. Творческие способности проявлялись у него еще в раннем детстве. Дома всеми поощрялось увлечение мальчика искусством. В семнадцати летнем возрасте он был принят в Мадридскую академию изящных искусств Сан Фернандо.

Учась в Академии, Дали увлеченно и одержимо изучает произведения старых мастеров, шедевры Веласкеса, Эль Греко, Гойи. Учеба в Мадрдской академии была для художника временем уплотненного и упорного постижения профессиональной культуры, освоения навыков ремесла. Осмысления традиций мастеров прошлых эпох и открытий своих старших современников.

Европейский период

В 1925 году, в год завершения учебы в Академии, была организована его первая персональная выставка в Барселоне. Работы имели успех. Ранние полотна художника отмечены удивительной отзывчивостью, строгой художественной дисциплиной и в то же время самостоятельной ценностью.

Истинным кумиром, новой звездой мирового искусства для Дали был Пабло Пикассо, с которым в 1926 году он и встретился в Париже. Под впечатлением встречи, Дали создает свое произведение «Великолепие руки».Написанная маслом на деревянной доске композиция являет собой симбиоз стилистических тенденций, характерных для 20-х годов. Это был первый серьезный эксперимент раскрепощения своей фантазии. По большому счету с этого произведения начался Дали таким, каким его обрел мир.

В 1929 году художник совершает путешествие во Францию, после посещения которой решается попробовать себя в кинематографе. Его роль в создании двух фильмов не главная, но он упоминается всегда вторым как сценарист и актер. Работа в кинематографе сказалась и на живописи Дали, на безукоризненном построении многоплановых композиций, появлении неожиданных ракурсов. Тогда же он начал осваивать смешанную технику с использованием коллажа. И наконец в октябре 1929 года Дали женится на Гала. Русская по происхождению, аристократка Елена Дмитриевна Дьякова была личностью яркой, артистичной. Она заняла важнейшее место в жизни и творчестве художника. По словам самого Дали, появление Гала придало его искусству новый стиль.

С 1930 года начинается стремительное восхождение Сальвадора Дали как новой звезды сюрреализма. Дали агрессивно вторгается в жизнь общества, стремится возмутить человеческое сознание, вызвать активное сопротивление, разрушить догмы нравственности добродетели.

Искусствовед Е. Гордон : «Он изменил сам характер художественного творчества, превратив его из пассивной фиксации умозрительных идей в активный процесс визуального формообразования. Его фантастические образы, кажется, обладают способностью саморождаться, расти, видоизменяться и умирать прямо на глазах у зрителей…»

Его обвиняли чуть ли не во всех смертных грехах, говорили и писали об античеловеческой сущности его искусства. Редкий дар Дали не поддавался расшифровке, художник был непонятен для большинства критиков и зрителей, его произведения необьяснимы с точки зрения привычной логики. Нередко художник сам, пугаясь непредсказуемости своих чувств и мыслей, тиранящих душу, вынужден был маскировать их хитросплетениями фантазии и от самого себя. Вот почему подчас невозможно постичь подлинную суть его произведений. Образы, рожденные воображением художника, становятся все более мрачными, трагичными, напряженными, его живопись приобретает новые качества, как будто живет сама по себе. Дали создает мифологию будущего. Цвет, причудливые формы, само движение линий имеют у него свое, символическое значение. Он сочиняет чудовищные композиции. Дали интригуют проблемы взаимоотношения времени и пространства, бесконечно малого и бесконечно великого. В поисках истины, духовности Дали идет по пути соблазнов и искушений, будто проверяя самого себя, испытывая свою веру грехом. Художник терзается сомнениями в условности общепринятых реалий. Его искусство несет в себе особую, необьяснимую религиозность. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера - эти чувства в различных вариациях проступают в произведениях Дали, активно воздействуя на зрителя.

Сальвадор Дали возлагал большие надежды на освобождающую силу сна, поэтому принимался за холст сразу же после утреннего пробуждения, когда мозг еще не полностью освободился от образов бессознательного. Иногда он вставал среди ночи, чтобы работать – с той же целью. Его метод соответствует одному из приемов психоанализа: имеется в виду записывание сновидений как можно скорее после пробуждения.

С изощренной изобретательностью он сочиняет сложнейшие сюжеты для картин, которые вызывают самые непредвиденные ассоциации. Терзавшие художника противоречия рождали в его воображении фантастические картины мира, толкали на путь умышленных мистификаций. Имитируя святотатство, он мучительно искал выход из плена эйфории, настойчиво пытаясь доказать возможность исцеления грехом.

Обращаясь к шедеврам великих предшественников, он продолжает совершенствовать свое мастерство живописца. Честолюбивые амбиции Дали не дают ему покоя. Он стремится превзойти своих кумиров в виртуозности, оригинальности художественных решений. При этом использует, как правило, те же материалы – масляные краски и дерево.

Творчество мастера изобилует портретами его супруги, она была для него одной из немногих реальных людей, воплощением второго «я» художника.

«Портрет Гала» 1935 г. примечателен во многих отношениях. Эта работа наименее загадочна среди работ Дали Здесь художником решена задача создания картины в картине.

Тридцатые годы были для Дали дорогой к мировому признанию. Этот предвоенный период стал для художника временем обретения самого себя, мучительного преодоления заблуждений и сомнений, на смену которым явились новые осеняющие открытия. Критик Вероника Прат писала «Его творческая энергия вырывалась наружу …Его неповторимая манера письма утверждается, завоевывает сторонников. Его произведения нравятся публике все больше и больше…»

Американский период

Ему уже тесно в Европе и в 1940 году он уезжает в Калифорнию, в США. В американский период, а это 8 лет, Дали много времени уделяет театру, выполняет декорации к балету, создает картины. Среди всемирно известных работ того времени – небольшое полотно «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения». Удивительно изысканное по живописи, это произведение по праву считается одним из шедевров художника.

В послевоенные годы в творчестве Дали вырисовывается идея поиска духовной истины, «…поиска жизни ради самой жизни». Его картины уже не те, что были прежде, они становятся иными по содержанию, меняются и их размеры. Миниатюрные форматы большинства произведений довоенной поры вытесняются крупномасштабными полотнами. Быть может это связано с интересом художника к истории религиозной и светской. В его картинах в качестве главных действующих лиц присутствует Гала и сам Дали. Гала олицетворяет божественное начало. Она для художника и Мадонна и сам Христос – вот почему даже в лике Иисуса проступают ее черты.

К числу программных произведений послевоенного периода относится полотно «Христос Св. Иоанна на кресте». Эта картина открывает заключительную и вместе с тем продолжительную главу творчества Дали. Фигура распятого Христа словно вознеслась над зрителями. Наклоненный вперед крест заслоняет нас от зловещей мрачной бездны, заполняющей всю верхнюю часть холста. Фигура Христа залита светом незримого источника. Здесь время словно встречается с вечностью, конечное – с бесконечностью.

В течение 1951 – 1955 годов Дали создает цикл из 102 акварелей по мотивам «Божественной комедии» Данте. Одновременно готовит иллюстрации к книгам. Его удивительная фантазия рождает произведение ювелирного искусства, посвященное Гала, выполненное в золоте и украшенное рубинами. Получившее название «Королевское сердце». В это время Дали пишет много трактатов и эссе. Художник продолжает интригующую воображение интеллектуальную игру с самим собой, со своими случайными поклонниками и критиками, игру в сверхреальную жизнь. Его искусство далеко от нравоучительной проповеди, оно скорее закодированный тест на гуманизм, на способность к покаянию и очищению .Образный мир Дали подобен лабиринту. В который даже заглянуть отважится не каждый.

В 1955 году Дали создает одну из самых знаменитых своих работ – «Тайную вечерю», которая обладает тайным магнетизмом, завораживающим действием. Здесь присутствует и определенная космичность мировосприятия художника. Дали с завидным упорством и энергией продолжает осуществлять свои фантастические, мистико-аллегорические замыслы и, естественно, по своему истолковывать, интерпретировать религиозные сюжеты, сочинять их. Он всегда противился законченной, абсолютной формуле, постоянно заставляя сомневаться в правомерности той или иной жесткой трактовки созданных им образов. Поэтому никто не может с полной определенностью сказать. Что же означают его символы, аллегории, метафоры, какой на самом деле смысл вкладывал он в них. Какое мистическое значение им придавал. Зритель не перестает удивляться и задумываться, а это, по-видимому, и было одной из целей, которые преследовал всю жизнь этот гениальный выдумщик и выдающийся мастер искусства ХХ века.

Путь Дали к познанию таинств бытия пролегал не только в недрах его интуиции и воображения, но и на уровне научных изысканий. Свидетельством тому стали опыты, проводимые в области оптики. Результаты этих экспериментов активно использовались Дали в живописи. Одна из работ, созданная в 1966-1967 г. «Лов тунца», отражает увлечение художника оптическими эффектами. На этой картине видим совмещение времен. Здесь соседствуют персонажи античного и современного мира.

В конце 60 – начале – 70 годов Дали продолжает плодотворно работать и искать себя в разных видах и жанрах искусства. С успехом реализует свои замыслы в архитектурном дизайне, занимается моделированием одежды, декоративно-прикладным искусством, иллюстрацией и, конечно, живописью.

Одно из лучших полотен Дали этих лет – «Дали, рисующий Гала со спины, с шестью запечатленными добродетельными оболочками глаз, условно отраженными шестью настоящими зеркалами». Эта маленькая картина осталась незаконченная, но художник сумел воплотить в ней идею многомерного, стереоскопически объемного пространства, добиться иллюзии осязаемости.

Особое внимание заслуживает графика Дали. Графические произведения художника представляют не менее значительный интерес, чем живопись. Именно в графике видна личность виртуоза, личность раскрепощенная, свободная от условностей. Штрих и линия, пятно и блик в его работах словно наполнены энергией самой жизни, бесконечными вариациями эмоциональных состояний самого автора. Графика Дали разнообразна и по сюжетам и по технике исполнения. Рисунки с натуры, полет фантазии, портреты, натюрморты, пейзажи. Обилие тем и приемов.

Гениальность свою Дали осознает с леностью порой головокружительной. Это глубокое внутреннее ощущение собственной гениальности служит мощнейшим стимулом его творчества. Родители дали ему имя Сальвадор, Спаситель, ибо он самой судьбою был предназначен стать спасителем живописи от той смертельной опасности, которая грозила ей со стороны абстрактного искусства.

Творческое наследие Сальвадора Дали огромно, оно будет удивлять и восхищать, раздражать и волновать многие поколения людей .ведь он всегда следовал принципу : «Бежать впереди истории гораздо интересней, чем описывать ее».

Великий мастер умер 23 января 1989 года в возрасте 84 лет. Жизнь Дали – грешника и праведника, мистификатора и мятежника – была долгой, но не вечной, однако произведения художника сделали его имя бессмертным.

Заключение

Список использованной литературы.

* Александр Рожин «Сальвадор Дали: миф и реальность»
* Сальвадор Дали: «Дневник одного гения»
* Е. Завадская: «Сальвадор Дали. Живопись, скульптура, графика»
* Дени Шевалье: «Пикассо. Голубой и розовый периоды»
* Платонов Н.И., Синюков В.Д.: Энциклопедический словарь.
* М. Аксёнова, Г. Храмов.: Энциклопедия.
* В.М. Полевой, В.М. Маркузон: Популярная художественная энциклопедия.

Биография

Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца — Руис и матери — Пикассо.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса, а вскоре овладел им в совершенстве. В 8 лет он пишет свою первую серьёзную картину маслом, Пикадор, с которой он не расставался в течение всей жизни.

В 1891 году дон Хосе получает должность преподавателя рисования в Ла-Корунье, и юный Пабло вместе с семьёй переезжает на север Испании. Здесь он учится в местной школе искусств (1894—1895).

Потом семья переезжает в Барселону, и в 1895 год Пикассо поступает в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери — Picasso.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо.

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество «Els Quatre Gats», по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе пройдёт его первая выставка. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касахемасом и Жаиме Субартесом, впоследствии ставшими персонажами его знаменитых полотен.

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901 г; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы — обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала

века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию. Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «…более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!» Дело дошло даже до потасовки. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур»…

Память о Пикассо

* Музей Пикассо был открыт в Барселоне. В 1960 году близкий друг и помощник Пикассо Хайме Сабартес и Гуаль принимает решение пожертвовать свою коллекцию работ Пикассо и организовать музей Пикассо в городе Барселона. 9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар (Berenguer de Aguilar) открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса». В настоящее время музей Пикассо (Museu Picasso), занимает пять особняков на улице Монткада-Мека, Беренгер-д’Агилар, Маури, Финестрес и Баро-де-Кастельет. В основе музея, открывшегося в 1968 году, была коллекция друга Пикассо Хайме Сабартеса. После смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу и в дополнении к огромному завещанию Сабартеса, в 1970 году отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков), 141 работу из керамики. Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
* В 1985 году музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). В 2003 году Музей Пикассо был открыт в его родном городе Малаге.

Интересные факты

* В 2006 году владелец казино Стив Винн (Steve Wynn) согласился продать шедевр кубизма — картину Пикассо «Le Reve» американскому миллиардеру и коллекционеру искусства Стивену Коэну. Винн купил картину в 1990-х за 48,4 миллиона долларов, а продать согласился за 139 миллионов. Однако сделка была отменена, так как Винн, который страдает заболеванием глаз и практически ничего не видит, неловко повернулся и проткнул холст локтем, назвав это «самым неуклюжим и глупым жестом в мире». Гостями Винна, наблюдавшими этот ставший знаменитым «жест», были американская телеведущая Барбара Уолтерс, сценаристка Нора Эфрон с мужем, писателем Ником Пиледжи и коллекционер искусства Серж Сорокко с женой Татьяной Сорокко.
* Невероятно длинное полное имя Пабло получил при крещении: Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мaртир Патрисио Руис и Пикассо

Биография

Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) (1881—1973), испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо - изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 он написал свои первые картины, а в 15 он блестяще сдал приемный экзамен в Школу изящных искусств в Барселоне. Между 1900 и 1902, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904. Стили французских художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека оказали сильное влияние на формирование творческой манеры Пикассо в этот период. "Синяя Комната" Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в "голубой период", который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений "голубого" периода, картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, Художественный музей; "Девочка на шаре", Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Национальная галерея).

Кубизм. В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Портрет Амбруаза Воллара — владельца галереи, коллекционера, знатока искусства, друга художников — выполнен в формах аналитического кубизма. Портрет был приобретен И. А. Морозовым 1913 у самого Воллара. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе - все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, относительный и временный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты.

Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные "помпейским" стилем ("Женщина в белом", 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены ("Портрет Ольги", пастель, 1923, частное собрание) и сына ("Поль в костюме Арлекина", Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

В этих работах Пикассо впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным "архивом", и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык. Контакты с сюрреализмом. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х годов ("Танец", Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих ("Женщина в кресле", 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931, Париж, музей Пикассо).

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 году ("Минотавромахия").

Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины "Герника", самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо; до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выражал прямо, но придавал своим картинам тревожную тональность и мрачность. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год.

Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры ("Человек с агнцем"), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи ("Натюрморт с бычьим черепом", 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). После освобождения. Картина "Бойня" (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) - последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях. Голубь, изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), - наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Кроме того, эта работа способствовала тому, что Пикассо стал легендарной, всемирно известной личностью.

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 и которая подарит ему еще двоих детей, дав таким образом темы для его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Пикассо уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене.

Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо ("Радость жизни"). Но особенно сильны в этот период отказ от декоративного пыла и поиски новых выразительных средств. Все это проявилось в многочисленных литографиях, плакатах, ксилографиях и линогравюрах, керамике и скульптуре. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике "Мадура" в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству ("Мастерская в Каннах", 1956, Париж, музей Пикассо).

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения ("Портрет художника, в подражание Эль Греко", 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Базель, Художественный музей); "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955); "Менины. По Веласкесу" (1957); "Завтрак на траве. По Мане" (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины ("Менины", 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо).

Пикассо умер на своей вилле Notre-Dame-de-Vie восьмого апреля 1973 года.

Биография

Пабло Пикассо (Picasso, Pablo) (1881–1973) – французский живописец испанского происхождения. Родился 25 октября в Малаге (Испания). Основоположник кубизма. Самый известный художник XX в.

Ранние рисунки и этюды Пикассо, хранящиеся в музеях Барселоны, свидетельствуют о том, что художник очень рано овладел профессиональными навыками. В восемь лет создав своего Пикадора, он показал, что стал художником («В двенадцать лет я рисовал, как Рафаэль», – говорил Пикассо). Но тот Пикассо, который известен как одна из ярчайших личностей XX в., появился в 1906–1907, в момент крутых перемен, происходивших в мировом искусстве.

С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью. Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». Обращаясь к образам всеобщего и вечного, искусство новейшего времени все больше имеет дело не с личностью, а с личиной, маской – с человеком, представляющим не себя, но некое условное множество. Стремление к формулам, отображающим типическое, универсальное в искусстве, отвечает глубинным процессам европейской цивилизации на рубеже веков.

На представлениях о типическом образе, об универсальном методе, рациональном начале и «математическом», жестком построении основаны творческие эксперименты Пикассо, начатые им почти внезапно в конце «розового» периода и непосредственно предшествующие становлению кубизма.

В период исканий (1901–1907) Пикассо пишет Авиньонских девиц. Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т.Пикассо) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями.

Если докубистическая манера Пикассо поверхностно имитирует, пересказывает некоторые тривиальные идеи и направлена на достижение определенного эмоционального эффекта, то новый его подход отличается пристальным анализом, выявляющим пластические свойства самой натуры. Высокий уровень условности в работах Пикассо – результат все более глубокого изучения натуры и ее пластического осмысления. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале XX в. в центре искусства, литературы, философии, идеологии.

Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. В начале 1900-х в его живописи проявляется склонность к постановке ясной задачи, к решению философских проблем пластическими средствами, к концентрации изобразительных средств. Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство.

Вместе с тем уже в работах «розового» периода и некоторых более ранних – таких, как Две сестры (1902), Странствующие гимнасты (1901) и другие, – проступает многое из того, что необходимо для развития магистральной линии кубизма. Однако нечто весьма важное до определенного момента отсутствует.

Можно сказать, что Пикассо знал, что он ищет, когда проводил время за изучением в Лувре греческой архаики, этрусского и египетского искусства, кикладских идолов и иберийской скульптуры. Перелом происходит в 1906. То, что его не удовлетворяет, что является предметом его исканий, уясняется в процессе работы над портретом Гертруды Стайн. Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново. „Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас", – сказал он в ярости. И оставил работу над портретом».

Дальнейшая эволюция его творчества показывает, что то был момент радикального изменения и концепции изображения, и концепции человека. При этом ничто, кажется, не позволяет ответить однозначно на вопрос, какая из концепций – человека или искусства – первой претерпевает изменения. В это время он уже, очевидно, сознавал, что уходит дальше других в деятельности – в такой же мере разрушительной, как и созидательной.

Смена творческой установки выглядит как внедрение рационального начала в сферу интуитивного, эмоционального. Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. Эта форма не отражает непосредственно воспринимаемый облик вещей; в лучшем случае она как бы воссоздает их пластическую структуру. На смену формам, проецировавшим на искусство порядок природного мира, приходят формы, созданные самим художником.

В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии. В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. В том, как его внимание перемещалось с одного исторического пласта к другому, была удивительная последовательность. Интуитивное понимание художником логики развития изобразительных форм предвосхищало то, что было осознано значительно позднее в результате комплексного исследования первобытной и традиционной художественной культуры. После обстоятельного анализа фактического материала, связанного с открытием африканской культуры, нельзя не признать значения примитивного искусства для инноваций в творчестве Пикассо, ведущих к разрыву с классической традицией. Особый способ пластического обобщения, геометризация черт лица, проявляющиеся в период его работы над портретом Гертруды Стайн, получают завершение после знакомства с африканской скульптурой. В отдельных подготовительных работах Пикассо 1907–1908 можно обнаружить элементы, которые несомненно являются вариациями форм африканских масок и статуэток. Лицо-маска в портрете Гертруды Стайн, его стилистические особенности, несмотря на отсутствие каких-либо фактических данных, позволяют предположить, что оно было переписано заново после знакомства Пикассо с африканской скульптурой.

Происходит ли это схождение в плоскости только изобразительной формы – на уровне стиля? Возможно ли такое поверхностное заимствование без какого-то соответствия на ином уровне, если мы знаем, что стиль является концентрированным выражением духа времени, что он непосредственно связан с самоощущением эпохи?

Обратим внимание на некоторые особенности процесса, на гребне которого оказывается Пикассо, работающий над картиной Авиньонские девицы, задуманной вначале в традиционной манере, но затем после нескольких месяцев работы, в ходе которой были сделаны десятки подготовительных этюдов, радикально преобразованной и перешедшей в совершенно иное эстетическое измерение.

Перелом наступает весной 1907, но уже среди зимних работ появляются отдельные рисунки, архитектоника которых содержит новое качество: изображаемое распадается на несколько самостоятельных частей. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. (Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн.) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов. Возможно, это объясняется тем, что они были написаны вначале и только потом проработаны плечи и части фигуры. Особый интерес представляют два рисунка женской фигуры со спины с поднятыми руками, выполненные весной 1907. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги. Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой. Вместе с тем именно здесь последовательно используется способ архитектурного построения фигуры, головы, маски. Это качество, вообще типичное для традиционной скульптуры, особенно выразительно в скульптураз западноафриканского народа фанг, в статуях и масках догонов, сенуфо, бамбара.

Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей. Особенность нарождающегося стиля – едва ли не маниакальная озабоченность материальностью, объемностью, грубой весомостью. Моментами это стремление любыми средствами превратить живопись в подобие скульптуры выглядит непонятным наваждением. На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью. Впрочем, в нем нет ничего живого – это каменный или деревянный скошенный брус – архитектурная деталь, элемент чудовищного конструктора. Можно было бы гадать о происхождении и значении этого элемента, если бы не его очевидная связь с кубом в Девочке на шаре, который появляется и в других работах Пикассо. И там и здесь острая выступающая грань – предвестник новой эстетики, ее бескомпромиссной готовности к переделке мира. В другом случае нужно было бы сказать – образа мира. Но авангард понимал свою деятельность как такую, которая преобразует не представление, а саму реальность.

Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж.Кокто и С.Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период. Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена.

Во второй половине 20-х – начале 30-х Пикассо возвращается в живописи к стилизации в духе кубизма, использует коллаж и одновременно экспериментирует, выполняя композиции из проволоки (1928), увлекается офортами (Метаморфозы Овидия, 1930, Минотавромахия, 1935). В 1937 создает знаменитое панно Герника – пластический символ смерти.

В годы войны Пикассо остается в оккупированной Франции, сближается с коммунистами – участниками Сопротивления. К этому периоду относятся такие работы, как Натюрморт с бычьим черепом (1942) и скульптура Человек с агнцем (1944).

С середины 50-х Пикассо обращается к вариациям на тему классических живописных работ. В этом ряду Алжирские женщины Делакруа (1954), Завтрак на траве Мане (1960), Менины Веласкеса (1968). В 1958 создает монументальную композицию Падение Икара для здания ЮНЕСКО в Париже.

В начале XX в. человек и окружающий мир подвергаются переосмыслению. В живописи это происходит чуть раньше, чем в жизни, которая зримо и незримо охвачена подготовкой к тотальному переустройству. Строительству нового человека предшествует разрушение старого: то, что от него остается, – набор элементарных деталей, универсальное вместилище.

Полностью меняется отношение к модели. Отказ от интерпретации психологической в пользу пластической, от индивидуального – в пользу универсального выражается в переходе от форм, мягко «вылепленных», – к грубо «вырубленным», от форм, подражающих живой природе, – к формам кристаллическим, геометрически правильным, линейным.

В искусстве, завершающем классическую традицию, самое замечательное явление, несомненно, творчество Пикассо. Безошибочное чувство границы, острое, как ощущение пропасти, позволяет ему проделывать невероятные вещи, демонстрировать якобы абсолютную свободу и при этом оставаться по ту сторону грани, отделяющей искусство в его классическом понимании от продуктов его распада – разнообразных видов и форм, обладающих иными свойствами и функциями. Пикассо, который может быть назван профессиональным революционером в искусстве, являет собой заключительный аккорд классической традиции, подобный грохоту рушащегося здания.

Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 в Мужене (Франция). Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Биография

3 марта 1961 года состоялась скромная свадьба 79-летнего Пабло Пикассо и 27-летней Жаклин Рок (Jacqueline Roque, 24.02.1927 - 15.10.1986). Она стала второй и последней женой великого художника, его музой до самой его смерти 8 апреля 1973 года.

В 2009 году на юге Франции впервые для посетителей открылся Замок Пикассо (Pablo Picasso), Шато Вовенарг (Chateau de Vauvenargues). Теперь у поклонников творчества одного из самых знаменитых художников 20-го века появилась возможность прикоснуться к личному пространству гения.

Пикассо — автор самых дорогих в мире произведений, а также один из самых плодовитых художников (50 000 работ) — приобрел этот замок вместе с 2,5 тысячи акров земли в 1958 году для своей второй жены Жаклин Рок (Jacqueline Roque). Они прожили здесь вместе с 1959 до 1961 года, здесь автор создал несколько великих произведений. Один из портретов жены, «Женщина в кресле», был продан в 2006-м на аукционе в Нью-Йорке за 6,7 миллиона долларов.

Деревня Вовенарг, с населением всего в несколько сотен человек, рядом с которой расположился замок, стала для Пабло и Жаклин идеальным убежищем после Канн, где они жили до замка. Когда Пикассо исполнилось 80 лет, он решил перебраться поближе к врачам, и поэтому в 1961 году супруги переселились в небольшой городок Мужен. Там художник и скончался в 1973 году, однако завещал похоронить себя в Вовенарге. Замок напоминает капсулу времени - после смерти Пикассо он был заброшен Жаклин и Кэтрин (Catherine Hutin), ее дочерью, и оставлен на попечитетелей. Практически все сохранилось нетронутым - предметы, атмосфера. В скромно декорированной спальне на прикроватном столике стоит телефон модели 50х годов, на полу - огромный швейцарский колокол. “Поднимая его, каждое утро”, - рассказывает Пепита Дюпон (Pepita Dupont), подруга Жаклин Рок, написавшая книгу «Правда о Жаклин и Пабло Пикассо», - “Пикассо, которому уже было за 70, проверял, есть ли у него еще силы”.

Жаклин Рок (Jacqueline Roque) хотела открыть в замке Фонд Пикассо, но жители деревни, опасаясь чрезмерного наплыва туристов, отвергли эту идею. В 85-м был проведен референдум, на котором 85% участников проголосовали против. В замок будут пускать только маленькие группы туристов, не больше 18 человек за одно посещение.

13 марта 1961 года состоялась скромная свадьба 79-летнего Пабло Пикассо и 27-летней Жаклин Рок (Jacqueline Roque, 24.02.1927 - 15.10.1986). Она стала второй и последней женой великого художника, его музой до самой его смерти 8 апреля 1973 года.

Пикассо познакомился с Жаклин, молодой разведенной женщиной с маленькой дочерью, в 1953 году в мастерской "Madoura Pottery", где она работала и где Пикассо создавал свою керамику. В 1955 они поселились вместе на каннской вилле "La Californie", а с 1958 года уединенно жили в Chateau de Vauvenargues. В 1955 году умерла Ольга Хохлова, первая жена Пикассо, русская красавица, украшение Дягилевского балета, с которой они поженились в 1918 году и расстались в 1935, однако брак формально не был расторгнут. Пикассо связал себя узами брака с Жаклин лишь в 1961 году. Пикассо был для Жаклин божеством, кумиром, она называла его "мой господин". Даже сам Пикассо говорил ей: "Ты выдумала себе религию!". Как отмечают историки искусства, Пикассо посвятил Жаклин больше картин, чем любой другой из своих возлюбленных.

Когда Пикассо умер, Жаклин запретила его детям Клоду и Паломе присутствовать на похоронах, говорят, она всю жизнь ревновала Пикассо к их матери - Франсуазе Жило (Francoise Gilot). После смерти Пикассо его наследниками были признаны последняя жена Жаклин, двое внуков художника Марина и Бернар (дети его умершего сына Поля, родившегося в браке с Ольгой Хохловой), и еще трое внебрачных детей – Майя (дочь Марии-Терезы Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило). Наследство, которое французское правительство оценило в 260 миллионов долларов, представляло собой в общей сложности 50 тысяч работ, и в том числе 1885 картин, 1228 скульптур, 2800 изделий из керамики, около 12 тысяч рисунков, 11 гобеленов, 8 ковров и многое другое.

15 октября 1986 года в три часа утра Жаклин покончила с собой выстрелом в голову из револьвера.

Биография

В 20 веке возникло новое искусство, которое стремилось к цели выразить чувства и настроения художника. Искусство модернизма отбросило привычные традиции. Модернисты отказались от тщательного вырисовывания, от традиционного сочетания цветов, от точности рисунка, от внешней красоты.

В модернизме развилось три течения: фовизм, экспрессионизм и кубизм. Самые яркие представители кубизма были: Жорж Брак и Пабло Пикассо. Эти художники преследовали идею упрощения предметов до геометрических форм, поэтому картины получались очень угловатые. Кубисты считали, что художник не должен следовать видимой реальности, а он должен сотворить свою реальность. Они пробовали изобразить один и тот же предмет с разных сторон одновременно. Пабло Пикассо (1881-1973) жил всю жизнь во Франции. Сложность и противоречивость окружающей жизни буржуазного общества заставляли его постоянно искать новые средства художественного выражения этих противоречий. Художник ставил перед собой и чисто декоративные задачи и экспериментировал с формой произведений, однако чаще всего с необычайной настойчивостью искал ответов на животрепещущие социально-философские и эстетические вопросы века.

Среди различных видов искусства, в которых проявил себя Пикассо, графике принадлежит далеко не последнее место. Пикассо - это не только великий живописец, замечательный скульптор и керамист, но и превосходный рисовальщик и гравер. С первых шагов в искусстве он много сил отдал рисунку и гравюре, и на протяжении всей жизни Пикассо графика сопутствовала его живописным работам. Близкие художника свидетельствуют, что с наступлением вечера и в темные зимние дни, когда невозможно писать красками он не расстается с карандашом. Рисовать для Пикассо это живая потребность. Каждый лист бумаги, вышедший из рук Пикассо, заключает итог его большого творческого опыта. Самый беглый его набросок несет на себе отпечаток его высокого мастерства.

Графический почерк Пикассо можно узнать больше всего по мужественной силе штриха, по решительности и безошибочной точности. В остальном он никогда не проявляет себя в каких-то особенно полюбившихся приемах выполнения. В своей графике он не выставляет себя напоказ, не дает воли своей руке. Пикассо не злоупотребляет какими-либо заученными приемами, он приноравливает их к каждой новой задаче, к новому материалу. Он берется за мягкую кисть, когда нужно создать впечатление мгновенного и беглого выполнения, но чаще рисует острым, твердым инструментом, и тогда возникают жесткие контуры, в рисунке выступает строгая закономерность. В отдельных случаях он пользуется красивыми росчерками, каллиграфическими закругленными контурами, но никогда не забывает , что прямая есть кратчайшая между точками. В своих рисунках он не допускает ничего приблизительного, но всегда стремиться к определенности. Точность и отчетливость - характерная особенность графики Пикассо. Он допускает небрежность лишь в тех случаях, когда нужно напомнить о том, что линии проведены рукой художника, а не прочерчены по линейке.

Пикассо проявил себя в графике разного рода и разного назначения. Во-первых, это рисунки, зарисовки с натуры или по памяти, упражнения глаза и руки. В них больше всего проявилась его наблюдательность и зрительная память. Рядом с этим имеются рисунки композиционные, вспомогательные к картинам. В них много такого, что вошло в его живопись, но многое при написании картин было отброшено. Есть у него рисунки самостоятельные, способные по силе воздействия поспорить со станковыми картинами. В акварели и гуаши Пикассо большую роль играет цвет. Особый разряд образуют книжные иллюстрации. Существуют еще рисунки, которые не имеют отношения к какому-либо литературному произведению, но сами образуют циклы, повествование без слов, зрительно раскрытое художником, но не рассказанное им словами.

В своей графике Пикассо использует разного рода технику. Уже в ранние годы он пробовал свои силы в офорте. Офорт - это вид гравюры. Техника офорта заключается в том, что рисунок процарапывается гравировальной иглой в слой кислотоупорного лака, покрывающего металлическую пластину. Процарапанные места покрываются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. В первых работах художник был еще мало опытен и порой забывал, что отпечаток получается в зеркальном отражении. Один из его ранних листов вошел в историю под названием "Левша" - в отпечатке гравюры пикадор держит копье в левой руке. Позднее Пикассо показал виртуозное владение техникой офорта. Он участвовал в создании нового вида графики, так называемого коллажа, ему особенно удавалось сочетать нанесенный рукой рисунок с наклейками вырезок из газет, обоев и цветной бумаги. Еще позднее Пикассо пробовал свои силы в области литографии.

Литография - способ плоской печати, при котором печатной формой служит поверхность камня (известняка), изображение на литографический камень наносят жирной литографической тушью или литографический карандашом. После войны он решил, что эта техника будет содействовать широкой демократизации его искусства. Художник с увлечением погрузился в изучение этого дела и добился блестящих успехов. Одновременно со всеми этими видами графики Пикассо никогда не забывал простого рисунка карандашом, пером, тушью, цветными карандашами, пастелью. Рисунок сопутствовал художнику во все периоды его жизни, он с ним никогда не расставался.

Трудно провести резкую разделительную черту между тем, что в творчестве Пикассо является графикой, и тем, что относиться к живописи. Одно переходит в другое, а порой почти неотличимо от другого Уже в ранний период творчества Пикассо проявляет чуткость к трагедии человека, к неустроенности человеческой судьбы, обращается к жизни обездоленных людей. Внимание художника привлекает внутреннее состояние героев, мир человеческих чувств, психология людей. Своеобразие метода Пикассо, проявляющееся в заострении контрастов, подмеченных в жизни, особенно ярко выражено в картине "Девочка на шаре". Девочка кажется беззащитной в окружающем мире и вместе с тем беззаботно смелой. Угрюмость неподвижного, тяжеловесного атлета словно озарена её милой, шаловливой улыбкой.

Осознавая дисгармоничность, уродливость капиталистической действительности Пикассо ищет новые формы для выражения противоречий мира, в котором он живет. В 20-30х годах творчество Пикассо соприкасается с сюрреализмом. В это время он создает образ женщины с деформированными чертами лица - сгусток ужаса и страдания ("Плачущая женщина") В 30-х годах Пикассо приходит к бунту против жестокой действительности капиталистического общества, к программно-политическому протесту. Одним из первых художников он обличает фашистов, участвует в освободительной борьбе своей родины - молодой испанской республики ("Мечты и ложь генерала Франко") Его огромное панно "Герника" (28 кв.м.) - протест против разрушения маленького города басков, уничтоженного за одну ночь фашистской авиацией. Но разрушение "Герники" , запечатленное художником, - это не только трагическое выражение отчаяния перед лицом кровавых преступлений фашизма, но и жгучий протест против бесчеловечности современного капиталистического общества.

Деятельность Пикассо в рядах движения сопротивления во время второй мировой войны и в движении сторонников мира в послевоенные годы помогла ему понять прогрессивные идеи современности. В 1944 году он стал членом Французской коммунистической партии. Пикассо награждали международной премией мира (1950) и международной Ленинской премией "За укрепление между народами". Его знаменитый рисунок "Голубь мира" стал символом мира и счастья всего человечества.

Всю жизнь Пикассо приходилось сталкиваться с непониманием своего искусства, но он никогда не отступал. Он был всегда уверен, что художник должен через творчество отстаивать свое право. Истина добывается в борьбе, искусство не может существовать без самопожертвования. Каким бы испытаниям не подвергалось искусство Пикассо, он может быть удовлетворен: оно завоевало ему признательность и любовь человечества. В наши дни Пикассо пользуется славой на всех континентах планеты - имя художника произносят на всех ее широтах. Искусство Пикассо глубоко гуманистично. Оно выражает надежды человека - внушает ему уверенность в свои силы. Гармония в искусстве Пикассо - это лишь далекая конечная цель. Главное в нем - напряженная борьба, столкновение сил, драматические контрасты. И это сказывается не только в его любимых темах и мотивах, но и в художественном строе его искусства. Пикассо - подлинный гений искусства, и в этом нельзя сомневаться.

Биография (ru.wikipedia.org)

Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грис), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист, и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ[3].

Эксперты назвали Пикассо самым «дорогим» художником — в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долл[4]. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе Кристис за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире[5].

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Его полотна стоят на первом месте по «популярности» среди похитителей[6].

Биография

Детство и годы обучения

Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца — Руис и матери — Пикассо. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении — Па?бло Дие?го Хосе? Франси?ско де Па?ула Хуа?н Непомусе?но Мари?я де лос Реме?диос Сиприа?но де ла Санти?сима Тринида?д Мaртир Патри?сио Руи?с и Пика?ссо.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса, и вскоре сильно в этом преуспел. В 8 лет он пишет свою первую серьёзную картину маслом, Пикадор, с которой он не расставался в течение всей жизни.

В 1891 году дон Хосе получает должность преподавателя рисования в Ла-Корунье, и юный Пабло вместе с семьёй переезжает на север Испании. Здесь он учится в местной школе искусств (1894—1895).

Потом семья переезжает в Барселону, и в 1895 год Пикассо поступает в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери — Picasso.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо.

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество «Els Quatre Gats», по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе пройдёт его первая выставка. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касахемасом и Жаиме Субартесом, которые впоследствии стали персонажами его полотен.

«Голубой» и «розовый» периоды

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901 г; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Кубизм

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы — обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

Русский балет

В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию.[7] Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «…более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве.[8] Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!»[8] Дело дошло даже до потасовки. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны.[8] Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур»… Антигармоничный, психованный композитор пишущих машинок и трещоток, Эрик Сати ради своего удовольствия вымазал грязью репутацию «Русского Балета», устроив скандал, <…>в то время, когда талантливые музыканты смиренно ждут, чтобы их сыграли… А геометрический мазила и пачкун Пикассо вылез на передний план сцены, в то время как талантливые художники смиренно ждут, пока их выставят.[8] — Leo Poldes, «La Grimasse», 19 мая 1917

Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада» (декорации и костюмы для «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919). Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.

Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой. 12 февраля 1918 года они заключают брак в русской церкви в Париже, свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб и Гийом Аполлинер. У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года).

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

Сюрреализм

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

«Герника» и пацифизм

В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрaнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герни?кa — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Герни?ку» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

После войны

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»).

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Некоторые из них («Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию статуарных портретов. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике, «Таинство Пикассо».

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не равны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин «Девушки на берегу Сены. По Курбе»,1950; «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955); «Менины. По Веласкесу» (1957); «Завтрак на траве. По Мане» (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходных картинах[источник не указан 288 дней].

Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция) на своей вилле Notre-Dame-de-Vie. Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт. Прямо перед самой смертью он произнёс фамилию человека, которого сильно уважал: Модильяни.

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став одним из самых известных мастеров в искусстве XX века.

Награды

* Лауреат Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами» (1962).

Память

* Музей Пикассо был открыт в Барселоне. В 1960 году близкий друг и помощник Пикассо Хайме Сабартес и Гуаль принимает решение пожертвовать свою коллекцию работ Пикассо и организовать музей Пикассо в городе Барселона. 9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар (Berenguer de Aguilar) открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса». В настоящее время музей Пикассо (Museu Picasso), занимает пять особняков на улице Монткада-Мека, Беренгер-д’Агилар, Маури, Финестрес и Баро-де-Кастельет. В основе музея, открывшегося в 1968 году, была коллекция друга Пикассо Хайме Сабартеса. После смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу и в дополнении к огромному завещанию Сабартеса, в 1970 году отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков), 141 работу из керамики. Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
* В 1985 году музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). В 2003 году Музей Пикассо был открыт в его родном городе Малаге.

Интересные факты
*
* В 2006 году владелец казино Стив Винн (Steve Wynn) согласился продать шедевр кубизма — картину Пикассо «Le Reve» американскому миллиардеру и коллекционеру искусства Стивену Коэну. Винн купил картину в 1990-х за 48,4 миллиона долларов, а продать согласился за 139 миллионов. Однако сделка была отменена, так как Винн, который страдает заболеванием глаз и практически ничего не видит, неловко повернулся и проткнул холст локтем, назвав это «самым неуклюжим и глупым жестом в мире». Гостями Винна, наблюдавшими этот ставший знаменитым «жест», были американская телеведущая Барбара Уолтерс, сценаристка Нора Эфрон с мужем, писателем Ником Пиледжи и коллекционер искусства Серж Сорокко с женой Татьяной Сорокко.[10]

Примечания

1. Валгина Н. С. Активные процессы в области ударения. Активные процессы в современном русском языке. Институт открытого образования Московского государственного университета печати (03.04.2002). Архивировано из первоисточника 23 августа 2011. Проверено 3 апреля 2011.
2. Грамота.ру, ударение в фамилии
3. Дьяконов В. Электрик собрал 271 картину Пабло Пикассо // Ъ-Online. — 2010. — 29 ноября.
4. Названы самые дорогие художники 2008 года — bigmir)net
5. Картина Пикассо установила очередной рекорд стоимости
6. Составлен рейтинг лучших в мире художников — bigmir)net
7. Эрик Сати, Юрий Ханон Воспоминания задним числом — СПб.: Центр Средней Музыки & Лики России, 2010. — С. 345-346. — 682 с. — ISBN 978-5-87417-338-8.
8. 1 2 3 4 Эрик Сати, Юрий Ханон Воспоминания задним числом — СПб.: Центр Средней Музыки & Лики России, 2010. — С. 323-325. — 682 с. — ISBN 978-5-87417-338-8.
9. Шейнов В. П. Как управлять собой / В. П. Шейнов. — 2-е изд. — Минск: Харвест, 2008. — С. 219.
10. Страсти по Пикассо, allinsurance.ru (15 января 2007). Проверено 17 декабря 2010.

Литература

* Костеневич А. «Дриада». Генезис и смысл картины Пикассо // Вестник истории, литературы, искусства. Отд-ние ист.-филол. наук РАН. М.: Собрание; Наука. Т. 1. 2005. C. 118—131.
* Пабло Пикассо. Стихотворения. М., Текст, 2008.
* Марина Пикассо. Дедушка: воспоминания. М., Текст, 2006.
* Н.Я.Надеждин. Пабло Пикассо: "Пламя Герники": Биографические рассказы. - 2-е изд. - М.: Майор, Осипенко, 2011. 192 с., Серия "Неформальные биографии", 2000 экз., ISBN 978-5-98551-174-0

Дата публикации на сайте: 17 января 2012.